Mogwai – Young Team (1997)

O Mogwai é um banda preguiçosa.

Seu som é preguiçoso.

O Mogwai é mais preguiçoso que Dorival Caymmi.

O Mogwai é o Caymmi do indie rock instrumental experimental.

Calma, nada disso é pejorativo, trata-se apenas de uma constatação refletida sob as luzes dos fatos expostos e que nunca tinha me atentado em todos esses anos que acompanho os discos e shows dos escoceses.

O som do Mogwai é circuncêntrico e pouca coisa acontece nos seus álbuns, mas dentro do magma central, um turbilhão de guitarras distorcidas, junto a uma bateria por vezes nervosa, se formam como maremotos e da mesma maneira que emergem e agridem os ouvidos despreparados, lentamente desaparecem, diminuem seu volume e tudo acontece como um relógio.

Preciso e mortal.

O Mogwai conseguiu inventar Ambient Music barulhenta.

Toda a mecânica é igual a da Ambient: repetitiva, lenta, longa, composta por camadas que se somam, atingem seu topo quando tudo entra junto depois de 8 compassos, e devagarzinho vão saindo de cena.

Seria o “Ambient Hardcore”?

Viagem minha?

Enfim, de toda a discografia do Mogwai, resolvi puxar o álbum que rendeu mais fama e rasgados elogios de John Peel pra falar aqui (até porque ainda é o que mais gosto deles).

Young Team surgiu no meio da então onda do “pós-rock”, onde bandas e artistas transados faziam discos barulhentos, com influência de jazz, progressivo, Fugazi e sem vocal. Dentre elas destacaram-se: Tortoise, Trans Am e Dirty Three.

Young Team tem alguns dos melhores timbres de guitarras tirados na década de 1990, e ainda me lembro vividamente da sensação de fim de mundo que foi a apresentação deles aqui no Brasil há mais de 10 anos, onde as cadeiras do teatro do Sesc Vila Mariana pareciam que viriam a baixo tamanho o barulho provocado pelos escoceses.

Tive quase certeza que viria a baixo mesmo em “Like Herod”: Ensurdecedora, os ecos desse ruído ainda reverberam no meu cerebelo.

Show inesquecível, banda sensacional.

O álbum é a quintessência do Mogwai: coisas acontecendo aqui e acolá, explosões de um lado, quietude nervosa na maior parte do tempo, ótimos achados estruturais e boa música para se digitar sem perder a concentração.

George Gershwin – The Piano Rolls, Vol.2 (1995)

Antes de virar o maior compositor norte-americano da primeira metade do século XX (polêmica!), Gershwin, como todo filho de imigrante morando em Nova York, com poucos recursos, muita energia, sem medo do labor e numa fase importante de transição mundial (1900 a 1925), acabou encontrando na então ascendente indústria musical que nascia sua porta de entrada para ganhar dinheiro e ascender como músico.

O piano deixava de ser o instrumento de status social da era vitoriana destinado a mocinhas e recatadas donas de casa, para virar um dos principais suportes para a indústria da música que começava a nascer junto com o novo século e se tornar a mais rentável e importante fonte de entretetimento do inicio do século XX (antes do surgimento do Cinema e do Disco).

A procura por pianistas e compositores de canções populares que pudessem ser tocadas por qualquer um e que agradassem a grande massa de novos ouvintes que queriam diversão para compensar a dureza do dia-a-dia.

Assim o piano foi o instrumento mais popular nesse período.

The Piano Rolls é uma série de gravações digitalmente recuperadas dos primeiros rolos gravados pelo então muito jovem pianista e futuro compositor George Gershwin tocando temas populares do final da década de 1910 e inicio dos anos 20, desfilando uma deliciosa seleção de ragtimes, charlestones e canções que marcariam o nascimento do jazz como conheceríamos anos depois.

Um período de classe sem duvida, e o som que nos chega hoje, graças a esse rico trabalho de recuperação digital desses documentos sonoros revelam o espirito empreendedor e poderoso que nascia na necessidade vital de criar sonhos e alívios que os EUA fariam ao longo do século e na figura de Gershwin em particular, o homem se tornaria importante tradutor dessa potência cultural que todos nós conheceríamos, invejaríamos e admiraríamos nas décadas seguintes.

Vindo do povo e para o povo, Gershwin começava nessas despretensiosas canções a cravar sua marca na cultura popular americana e por conseguinte, mundial.

Delicie-se.

Beastie Boys – Check Your Head (1992)

Quebro a sequencia do pianinho por uma razão justa, justíssima!

Adam “MCA” Yauch deixou o mundo nessa sexta-feira, dia 04 e se você não conhece o figura, pelamordedeus… vai filho, usa essa internet e vai atrás!

O Beastie Boys é uma das minhas bandas favoritas all-time pelo simples motivo deles serem uma banda no melhor sentido da palavra: leais um ao outro, unidos, sinérgicos, que só foram o que foram porque eram uma força musical de 3 cabeças sintonizadas que cresceram se apoiando e apoiando outros artistas e principalmente, fazendo discos do caralho.

Difícil escolher um para comentar, pois todos os discos deles são bons.

Em 25 anos de carreira, eles foram os pioneiros do hip-hop moderno e os primeiros a flertar não só com o rock, mas com jazz, samba, música africana, sons eletrônicos, rumba, country, hardcore e tudo o mais que passasse pelos toca-discos dos caras.

A absoluta ausência de preconceitos dos caras, somado a talento e instintos musicais apurados, fizeram com que os bestiais suplantassem o gênero e fizessem história.

Check Your Head foi meu primeiro contato com o som deles e levei um tempo para entender o que tudo aquilo significava, afinal, estávamos em 1992 e tinha muita coisa acontecendo e muita coisa para assimilar: grunge no seu Top, Ministry, indie rock barulhento cheio de guitarras por todos os lados, Helmet e por ai vai.

Ai vem os Beastie Boys com esse caldeirão sonoro rico, impregnado de samplers maneros, rap com eletrônico, hardcore, levadas sonoras viajantes e zoa tudo (no bom sentido)…

Esse álbum é pouco citado, mas foi em Check Your Head que os Beastie Boys consolidaram sua carreira, ganharam a moral que precisavam depois do genial, mas mal aceito Paul’s Boutique (1989), álbum muito “avançado” para a época, que vendeu mal e só ganhou a alcunha de obra-prima anos depois, desta forma, Check Your Head ajudou a garantir longevidade ao trio e garantiu também a possibilidade de álbuns monstruosos como Ill Communication (1994) e Hello Nasty (1998) que vieram na sequencia e são irretocáveis também.

O repertório do disco é de tirar o folego: Jimmy James, Gratitude (um baita groove pesadão onde os 3 BB mostram que são músicos fudidos), Finger Lickin Good e So Whatcha Want estão entre as melhores do grupo. Time For Livin é hardcore skatista como poucos e lá pro final o grupo reserva suas experiências relaxadas e deliciosas como In 3’s e Groove Holmes.

Ainda por cima, o álbum foi a porta de entrada para o tecladista Money Mark mostrar seu talento, bem como o produtor brazuca radicado nos EUA Mario Caldato Jr.

Em 1995, os caras passaram por Sampa e fizeram um dos melhores shows que meus olhos e ouvidos já viram e ouviram em toda a existência dessa pessoinha e guardo no fundo da memória e do coração com carinho e saudade esse baita momento.

Poucas vezes me lembro de ter saído de um show com a alma tão lavada quanto nesse dia.

Citando a faixa que fecha esse album: Namasté MCA!

Jean Jacques Perrey – Moog Indigo (1970)

“Efeitos avançados de eletrônica criados pelo fabuloso SINTETIZADOR MOOG”.

Esse é o trecho que encerra o texto de apresentacão que ilustra a contra capa desse vinil editado originalmente no brazilzão pelo selo Discos Copacabana por volta dos anos 70 (como todo bom vinil nacional da época, não há nenhuma referencia de quando saiu por aqui).

Moog Indigo é obra do músico/cientista/moderno/biruta portador de uma cabeça genial, com parafusos soltinhos e sem nenhum medo do perigo: Jean Jacques Perrey.

Nos anos 60, fez dupla com Gershon Kingsley (outro alucinado) e juntos foram percursores do lounge eletrônico, dos primeiros experimentos com osciladores, sintetizadores e moogs e deram os primeiros passos para tornar a música eletrônica mais palatável ao gosto popular e tirar o ranço “acadêmico” que o tal gênero “eletroacusitco” estava confinado em salas de concerto vanguardistas e na mão de maletas dodecafônicos minimalistas absolutamente boring.

Eles queriam aproximar esse experimentos eletrônicos da musica popular.

E conseguiram… de um jeito meio torto mas conseguiram.

Dá para achar no youtube uma série de vídeos dos músicos se apresentando em programas de TV, cercados de suas engenhocas e olhados pelos convidados dos programas, pela plateia e pelo apresentador como se fossem aliens vindo de Marte.

Mas voltando ao disco de hoje…

Moog Indigo é todo construído ao som do sintetizador moog e muitos dos temas desse álbum aparecem ou apareceram em vinhetas de comerciais de TV, de abertura de programas de TV ou como fundo musical em quadros de humor.

Talvez o tema mais famoso seja “The Elephant Never Forgets”, que ficou famosíssimo por ser a vinheta do seriado Chaves (na versão original do seriado, El Chavo Del Ocho).

Ensolarado, experimental, mas extremamente pop, esse álbum garantiu sua longevidade e influencia e deixou de ser simplesmente uma peraltice musical que ficaria datada quando nova moda tomasse o globo.

Jean é competente compositor, com altíssimo senso de tempo e escolha inteligente de timbres que tiram o foco do experimento sonoro e joga luz para o que realmente interessa que é a música e não somente o meio utilizado.

Temas como “E.V.A” e “Soul City” caberiam em qualquer disco do Air fácil e seriam as melhores faixas em qualquer disco do Metronomy ou do Toro Y Moi.

Depois dele, ficaria difícil não se apaixonar pelas possibilidades abertas pelos seus moogs e toda uma revolução foi construída ao longo das décadas seguintes.

Burning Spear – Marcus Garvey/ Garvey’s Ghost (1975/76)

Nunca fui um grande fã de reggae.

Na verdade ainda estou longe de ser um grande ativista do ritmo.

Não sou maconheiro, nem surfista, nem fã da mamãe natureza e não frequento muito a praia, logo fica difícil me aprofundar na coisa.

Assim prefiro só a parte musical.

Comecei a escutar reggae e dub há uns 4 ou 5 anos.

Antes tarde do que nunca. Cada disco bom que descobri nessa jornada!

Cada nova descoberta é comemorada como cada nova peça de música clássica que descubro e me apaixono.

Bizarro hã?

Whatever, os caminhos que nos levam são estranhos e tortuosos.

Marcus Garvey foi um dos primeiros ativistas negros a lutar por direitos raciais igualitários nos Eua.

Jamaicano de nascimento, o homem ganhou uma bela homenagem nesse discasso clássico do reggae, e um dos mais emblemáticos álbuns produzidos na ilha.

Um time espetacular de músicos se juntaram a Winston Rodney, vulgo Burning Spear, e quando o ritmo jamaicano ganhava o mundo com Bob Marley, Peter Tosh, Jimmy Cliff entre outros, Burning Spear também ganhou seu espaço merecido dentro da realeza reggaeira, com seu discurso afiado e som mais afiado ainda.

O álbum fez enorme sucesso na Jamaica e hoje é reconhecido como um dos mais importantes álbuns da historia do reggae. Pedrada das boas.

Carrega no seu som, os melhores elementos possíveis. Linhas de baixo precisas e gordonas, bateria sincopada e de timbragem inimitável, o tecladinho e órgãos básicos para fazer aquela caminha deliciosa que todo reggae decente tem, linhas de metais que entram estrategicamente pontuando o calor da torcida e anunciando a benção divina ao som gerado, além, claro das letras politicas e canções poderosas pronunciadas pelo porta-voz Burning Spear.

Marcus Garvey é uma ótima porta de entrada para quem não conhece nada de reggae e quer se aventurar nas delicias tropicais da ilha.

Salve jah!